______________________
Agarita une fuerzas con Ilmar Gavilan del Harlem Quartet, ganador de un Grammy y Kimberly Sparr para una noche de clásicos como Mozart, Mendelssohn y Schumann, obras nuevas de Paul Wiancko, Aaron Jay Kernis y Paul Coletti, y una deslumbrante obra cubana de Guido López Gavilán.
____________________
P r o g r a m a
_____
Quinteto de cuerdas no. 3 en Do Mayor | Primer movimiento | W.A. Mozart
Mozart en Route | Aaron Jay Kernis
Strange Beloved Land | Withered and Gone | Spring Dance | Paul Wiancko
Cuarteto en Guaguancó | Guido Lopez-Gavilan
Sarabande de la Suite Inglesa no. 6 in Re Menor | J.S. Bach
Trio de piano en Re Menor | Primer Movimiento | Felix Mendelssohn
Moonlight Journey | Paul Coletti
Quinteto de piano en Mi bemol Mayor | Segundo y cuarto Movimiento | Robert Schumann
Take the A Train | Billy Strayhorn
____________________
AGARITA
Agarita, un innovador conjunto de cámara dedicado a producir audaces conciertos y colaboraciones, ofrece una nueva forma de experimentar la música clásica y contemporánea. Fundada por Daniel Anastasio (piano), Marisa Bushman (viola), Ignacio Gallego (violonchelo) y Sarah Silver Manzke (violín), Agarita nutre artisticamente a la comunidad local a través de colaboraciones, participación en eventos sociales con una programación muy aventurera . Con actuaciones concisas y eclécticas que son “espléndidas, unificadas, enérgicas y bien preparadas” (Greenberg, Incident Light), el joven grupo de cámara ofrece una nueva experiencia de brazos abiertos para los oyentes.
Con raíces en San Antonio, Texas, Agarita trabaja íntimamente con artistas locales de varios géneros para tejer narrativas artísticas trenzadas para cada concierto. Colaboraciones pasadas de Agarita incluyen la exhibición Pop América del McNay Art Museum, el artista Chuck Drew, Cameron Beauchamp del grupo vocal Roomful of Teeth y ganador de un Grammy , la chef Elizabeth Johnson y el restaurante Pharm Table, la poeta Laura Van Prooyen, el escultor Danville Chadbourne, la institución artística SAY Sí, y el Festival de Arte Contemporáneo Luminaria con un concierto dentro de la histórica Misión San José de San Antonio.
____________________
Artistas Invitados
"Gavilán tiene toque de poeta" -Revista Santa Mónica
El violinista cubano-estadounidense Ilmar Gavilan, nativo de La Habana, Cuba, ha tenido una notable carrera interpretativa que lo ha llevado por todo el mundo. Este viaje fascinante abarca desde actuar para líderes mundiales como el presidente Obama en la Casa Blanca y la reina Sofía de España en el Palacio Real de Madrid hasta actuar con artistas de primer nivel de diversos estilos como Itzhak Perlman y Chick Corea.
Como solista, el Sr. Gavilán ha tocado conciertos para violín con las orquestas de Atlanta, New Jersey, Baltimore, Detroit, Milwaukee, St. Louis, Hartford, Nashville, Ann Arbor, Santa Monica, Phoenix, Denver, Louisiana, Anchorage, Santa Fe, La Habana. , Ciudad de México y Venezuela Sinfónicas y tocó recitales en Inglaterra, Rusia, España y Portugal. El Sr. Gavilan interpretó "Urban Legends" de Michael Ables para Cuarteto de Cuerdas y Orquesta con la Filarmónica de Nueva York como primer violinista del Cuarteto de Harlem. El Sr. Gavilan ganó el primer premio en el concurso de Sphinx, así como los máximos honores en las competencias de violín Lipinsky-Wieniaswsky y Henryk Szeryng International.
Un ávido músico de cámara, el Sr. Gavilan ha actuado con Itzhak Perlman, Arnold Steinhardt, Ida Kavafian, Carter Brey, Paul Katz, Fred Sherry, Anthony McGill y Misha Dicter. El Sr. Gavilan ha participado en numerosos festivales de música de cámara, incluidos Tanglewood, Ravinia y Angel Fire.
Actualmente es profesor de violín en la Escuela de Música de Manhattan, el Sr. Gavilan participa como profesor en residencia visitante en The Royal College of Music en Londres como el primer violinista del Cuarteto de Harlem y un puesto en la Universidad Estatal de Montclair. El Sr. Gavilan es un educador experimentado, habiendo enseñado durante seis años en el Programa de Avance Musical de la Escuela Juilliard.
Ilmar Gavilan estudió en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú. A través de la recomendación personal y la beca real de la Reina Sofía de España, los estudios lo llevaron a la Escuela de Música Reina Sofía en España, donde estudió con Zakhar Bron. Además, el Sr. Gavilan recibió lecciones privadas de los legendarios Yehudi Menuhin, Isaac Stern y Ruggiero Ricci. Estudios posteriores llevaron al Sr. Gavilan a la Escuela de Música de Manhattan en la ciudad de Nueva York, donde estudió con Glenn Dicterow y recibió su Maestría. El Sr. Gavilan recibió un Diploma de Posgrado en Interpretación de Cuarteto del Conservatorio de Nueva Inglaterra en Boston. Sus mentores allí incluyeron a Donald Weilerstein y Miriam Fried. El Sr. Gavilan completó su Doctorado en Artes Musicales en la Universidad de Rutgers bajo la tutela de Arnold Steinhardt.
Además de su exitosa carrera en la música clásica, el Sr. Gavilan también interpretó y lanzó comercialmente álbumes con Chick Corea, Gary Burton, Paquito D'Rivera, Eddie Palmieri y Dafnis Prieto. Otras colaboraciones de jazz incluyen actuaciones con Stanley Clark, John Patitucci, Lee Konitz, Henry Threadgill y Doc Severinsen. La colaboración con las leyendas del jazz Chick Corea y Gary Burton le valió un Grammy por la grabación del álbum “Hot House” como miembro del Harlem Quartet. El debut discográfico en solitario del Sr. Gavilán en Estados Unidos, "Aires y Leyendas", y "Por el mar", con música compuesta por su padre, Guido López-Gavilán, incluido un concierto para violín dedicado a él, están disponibles en Amazon e iTunes. Su último álbum en solitario, “Brothers”, presenta a su hermano Aldo López-Gavilán.
Ilmar y su hermano Aldo, pianista y compositor de clase mundial, fueron presentados por Carnegie Hall en el documental destacado de PBS “Los Hermanos/The Bothers” http://www.patchworksfilms.net/the-brothers.
Kimberly Sparr, igualmente hábil como solista, violista de cámara y orquestal, ha recibido elogios por su versatilidad y virtuosismo en los Estados Unidos y más allá. Ha actuado con numerosas orquestas y festivales en tres continentes, y actualmente se desempeña como profesora asociada de viola en la Universidad Estatal de Luisiana, viola ayuda de solista de la Orquesta del Festival de Música de Colorado, viola solista de la Sinfónica de Lubbock y violista del Conjunto de Cámara del Atlántico. En los veranos, la Dra. Sparr forma parte del cuerpo docente de la Academia de Cuerdas de Verano para Niñas y del Festival de Música Renova.
“El cálido sonido de la viola de Sparr fue tan sublime que fue difícil afrontar lo que estaba sucediendo en el mundo real”, dijo Boulder Daily Camera. Ahora Sparr está liderando un esfuerzo por expandir el repertorio del instrumento en sí. Volt, por ejemplo, una pieza que encargó al compositor Ned McGowan, presenta su improvisación en contrapunto con sonidos de computadora pregrabados. En una presentación multimedia de Liquid Fire de Rusty Banks, la viola eléctrica de Sparr responde a ritmos y sonidos palpitantes mientras se reproducen imágenes de lava fundida en una pantalla de video detrás de ella. Otros encargos recientes para viola solista incluyen obras de Molly Joyce y Caroline Mallonee. Sparr también encabezó recientemente un importante proyecto con el Atlantic Chamber Ensemble, del cual es miembro fundador: Project Beck, que incluyó la colaboración con 20 compositores.
Mientras tanto, sus colaboraciones de música de cámara incluyen actuaciones con Lara St. John, Boris Allakhverdyan y Simone Dinnerstein; así como para organizaciones como New Music Raleigh, Festival Mozaic, Lake George Music Festival y Washington Musica Viva. También ha realizado residencias artísticas en el Avaloch Farm Music Institute, donde ha trabajado como solista y con su compañera en el Amistella Duo, la violonchelista Natasha Farny. Sparr colaboró recientemente con artistas europeos a través de "Expressions for Justice" en los Países Bajos.
La Escuela de Música de Aspen honró a Sparr con una beca New Horizon de tres años donde estudió con Heidi Castleman y Victoria Chiang. También ganó becas en el Centro de Música Tanglewood de la Orquesta Sinfónica de Boston y el Festival de Música de Sarasota.
Como violista de orquesta, Sparr fue ayuda de solista de la Sinfónica de Richmond de Virginia; y ha actuado con la Orquesta de Cámara de Saint Paul, la Ópera Nacional de Washington y el Festival Cabrillo de Música Contemporánea de California, entre otros. Su participación en festivales incluye el Festival de Música de New Hampshire en Plymouth, N.H.; la Orquesta del Festival de Verbier en Suiza; el Festival Mozaic y el Festival Cabrillo de Música Contemporánea en California; el Festival de Música de Sarasota de Florida; y el Festival de Música de Lake George en Nueva York. También ha realizado giras por Europa y Asia con las Orquestas Sinfónicas de Verbier y Nacional. Sparr también ha actuado como solista con Amarillo Virtuosi, la Orquesta Cívica de Pittsburgh, la Orquesta Sinfónica de la Universidad Tecnológica de Texas y la Sinfónica de Lubbock.
Sparr obtuvo su licenciatura en música de The Shepherd School of Music en la Universidad de Rice, donde estudió con Martha Strongin Katz. Tiene una Maestría en Música del Conservatorio de Nueva Inglaterra, donde estudió con James Dunham, y un Doctorado en Artes Musicales de la Universidad de Maryland, estudiando con Daniel Foster. Durante sus estudios de posgrado, fue nombrada Artista de la Fundación Piatigorsky y recibió el Premio Gunther Schuller del Conservatorio de Nueva Inglaterra.
Vive en Baton Rouge con su esposo, compositor y guitarrista, D. J. Sparr, su hijo Harris y dos perros. Es la violista de Scabaret ("tres mamás malas y un micrófono"), una banda de estilo mixto de voz, teclados y viola exclusivamente femenina con sede en el oeste de Texas.
Notas del programa
El Quinteto de cuerda núm. 3 en Do mayor de Mozart fue escrito en 1787, después del gran éxito de su ópera Las bodas de Fígaro y justo antes de Don Giovanni. Este sofisticado trabajo a gran escala comienza con carácter optimista y alegre; el primer tema es principalmente un arpegio, saltando juguetonamente hacia arriba. Este júbilo da paso a un lirismo más dulce, pero a medida que la música se vuelve más dramática, Mozart crea un diálogo interrumpido entre los instrumentos. El contrapunto intensificado y un punto de pedal dominante marcan el punto álgido de la tensión en la sección de desarrollo central. El primer movimiento termina con un carácter sonriente, tal y como empezó el movimiento. Este quinteto inspiró el quinteto en la misma clave de Do de Franz Schubert, considerada una de las obras de música de cámara más sublimes del repertorio: las similitudes en sus aperturas son evidentes.
En 1991, Aaron Jay Kernis fue encargado por el Bravo! Colorado Music Festival para escribir un trío de cuerdas para emparejar con el propio trío de cuerdas K. 563 de Mozart, un concierto en honor al 200 aniversario de la muerte de Mozart. Para Mozart en Route, Kernis se inspiró en una de las cartas de Mozart, que se quejaba de un viaje en carruaje particularmente accidentado de Salzburgo a Múnich: “Durante dos etapas completas me senté con las manos clavadas en la tapicería y el trasero suspendido en el aire”. Kernis imaginó a Mozart viajando en un dispositivo de transporte futurista (al estilo de Star Trek) en el año 1991, siendo “enfrentado cara a cara con diversas formas y sonidos de la música”. Además de una clara cita de apertura del trío K. 563 de Mozart, según Kernis, hay homenajes a "Richard Strauss, el estilo violinístico popular estadounidense, la música que levanta el telón (o dibujos animados) de Hollywood, el blues y el funk".
El cuarteto de Paul Wiancko, Strange Beloved Land es un conjunto de seis escenas encargado por el Great Lakes Chamber Festival para el Park Quartet y estrenado en 2013. Según el compositor, el cuarteto está inspirado y dedicado a su padre, el difunto explorador y documentalista Gene Wiancko, cuyas películas describen la cultura y la gente de Rumania y los Balcanes durante las décadas de 1950 y 1960. El rango emocional de los seis movimientos es amplio, y los dos interpretados en este concierto, Withered and Gone y Spring Dance, capturan ambientes espirituales muy distintos. Withered and Gone tiene un tema sombrío y paciente en un registro bajo, lleno de acordes sostenidos, suspensiones disonantes y rico lirismo. Spring Dance, está lleno de pizzicati, ritmos irregulares y técnicas extendidas que involucran golpes de percusión en el instrumento. La primavera es un símbolo de la vida, pero si hemos aprendido algo de Stravinsky, puede llegar con un poco de caos.
Sobre el Cuarteto en Guaguancó de su padre Guido López-Gavilán, el violinista Ilmar Gavilán escribe:
Guaguancó es a la vez un baile y un patrón rítmico distintivo. Como la mayoría de la música cubana, la base rítmica de Guaguancó se basa en la clave, un ostinato rítmico que se puede arreglar de varias maneras. Guaguancó es conocido por su característica demora en el acento de la tercera clave. Este retraso crea lo que se conoce como patrón de clave de rumba, la base rítmica del estilo de rumba cubana. La versión orquestal de Guaguancó es única entre el repertorio de orquestas de cuerdas no solo por estos elementos rítmicos cubanos, sino también por la forma en que remonta su sonoridad al canto melódico de la tradición yoruba de África Occidental. Guaguancó fue escrito en 2005 para orquesta de cámara y arreglado para Harlem Quartet en 2016.
Las suites inglesas de J.S. Bach (1685-1750) son suites de danzas similares a sus Partitas, Suites francesas, etc., y la Sarabande es una de las danzas expresivas que Bach siempre incluyó. Por lo general, con el énfasis inusual en el segundo pulso de un total de tres, la zarabanda es una danza lenta y majestuosa derivada de América Central ("zarabanda") que permite un poco de ornamentación y florituras por parte del bailarín. La Sarabanda de Bach de su Suite inglesa núm. 6 en re menor de hecho comienza majestuoso, con acordes verticales completos en una tonalidad menor dramática. La segunda mitad es una versión ornamentada de la primera, con melodías fluidas entretejidas dentro del inevitable ritmo armónico.
Al igual que Mozart, Felix Mendelssohn (1809-1847) fue un prodigio musical cuyas dotes fueron desarroyadas por su familia. Su contemporáneo Robert Schumann incluso lo llamó “el Mozart del siglo XIX”. Según todos los informes, fue un fenomenal pianista y organista que veneraba a los maestros de antaño, en particular a J.S. Bach. En 1829 arregló y dirigió la entonces casi olvidada Pasión según San Mateo en Berlín, lo que ayudó en gran medida a revivir el interés por Bach en toda Europa que perdura hasta el día de hoy. Con su una pasión explosiva, virtuosa escritura pianística, agudas melodías y colores ricos, el primer trío para piano de Mendelssohn, el Trío para piano en Re menor (1840) fue inmediatamente considerado una obra maestra por Schumann:
“Este es el trío maestro de nuestro tiempo, así como el Beethoven en Si bemol y Re y el Schubert en Mi bemol fueron las obras maestras de su época; es una composición sumamente fina que, dentro de muchos años, seguirá deleitando a nuestros nietos y bisnietos”.
Moonlight Journey de Paul Coletti (n. 1959) es una obra impresionista para la poco convencional instrumentación de dos violas. Coletti, violista muy aclamado, estrenó la pieza con Juan Miguel Hernández en 2016. Comienza con la luz de la luna descendente; armonías menores arpegiadas bajo una melodía rica y cantada. La música finalmente cambia de su apasionado romanticismo a un carácter mucho más visceral y tormentoso. La obra termina inesperadamente con pizzicatos: el viaje parte tan rápido como llega.
Take the A Train es un famoso estándar de jazz escrito por Billy Strayhorn en 1939. Duke Ellington lo había contratado para formar parte de su organización y necesitaba que le diera instrucciones para un trabajo que implicaba viajar a su casa en la ciudad de Nueva York en metro. Las instrucciones comenzaban, "Tome el tren A", línea de metro recién construida. Ellington ayudó a impulsar la popularidad de la melodía interpretándola a lo largo de su carrera y se convirtió en la canción característica de su gran banda. Esta versión de cuarteto de la melodía fue arreglada por el compositor Paul Chihara (n. 1938). Es la canción principal del álbum debut del Harlem Quartet.
El programa termina con otra gran pieza de música de cámara de todos los tiempos, el Quinteto para piano en Mi bemol Mayor de Robert Schumann (1810-1856). Hasta la composición de este quinteto, que está compuesto para piano más cuarteto de cuerdas, el quinteto con piano se refería a una obra para piano, violín, viola, violonchelo y contrabajo. El éxito de Schumann en 1842 condujo a un cambio en la instrumentación, y Brahms, Dvorak, Shostakovich y otros crearían tremendas obras en este género. Schumann acababa de terminar de componer tres cuartetos de cuerda; este trabajo parecía ser una oportunidad para experimentar combinando su experiencia de cuarteto recién adquirida con su instrumento nativo, el piano. Schumann dedicó la obra a su esposa Clara, una reconocida pianista que actuó para el estreno. Los movimientos segundo y cuarto se realizan en este programa.
____________________
___________________
____________________
_____________________
Su donación apoya directamente nuestros proyectos, colaboraciones y educación. ¡Gracias por dar a la comunidad artística de San Antonio! ¡Haga clic en el enlace de abajo para apoyar a Agarita!
___________________